Искусство и коммуникация

Ван Гог – это тот художник, сама биография которого была историей развития его художественной личности. Изучение биографии и писем Ван Гога, составивших основное содержание данного учебного пособия, помогает выявить некоторые общие факторы зарождения, становления и развития художественной личности. Ван Гог был «самоучка», но ему удалось избежать тех опасностей, которые встречаются на пути самоучек. В этом – один из важнейших «уроков» Ван Гога. Материалы пособия говорят о том, что Ван Гог реализовал в своем самообучении и развитии принципы и методы, которые нашли отражение в теории и практике выдающихся педагогов. В этом также состоит «урок» Ван Гога. Но главный «урок», который читатель извлечет из книги, заключается в том, что художник сам сумел развить в себе внутреннюю личностную потребность мыслить, чувствовать и «говорить» на языке искусства. Наличие в книге вступительной статьи, комментариев, предметного указателя, вопросов для самопроверки и тем рефератов делают ее ценным учебным пособием для тех, кто интересуется судьбой и творчеством Ван Гога, а также для всех, кто хочет «научиться» творчеству.

Основная цель книги – раскрыть специфические аспекты творческой личности художника, то, что отличает его от творцов в области науки, техники и др. В качестве главной «модели» творческой личности художника в книге рассматривается личность художника В. А. Серова.

Анализируются социальная роль творческой личности художника, ее эстетическая направленность, значение профессионального мастерства, психология, энергетика и этика художественной деятельности. Большое внимание уделяется становлению творческой личности, ее формированию, росту и художественному воспитанию. В отличие от первого издания добавлен раздел «Художественная энергия», которая трактуется автором в контексте его энергийной концепции художественной психологии (см. Е. Я. Басин «Под эстетическим интегралом»), что позволяет подойти к объяснению экстрасенсорного (телепатического) аспекта творческой личности художника, добавлен раздел об этике художественной личности (этике художника-человека и творческой этике художника).

Оставляя читателя антологии наедине с яркими и глубокими высказываниями теоретиков и мастеров искусства о любви (и как в творческом акте, и в содержании произведений, во впечатлении от подлинных шедевров), автор-составитель ставит главной задачей обоснование своей гипотезы об энергийной природе изучаемого феномена. Эта цель и определяет характер отбора материалов, составивших книгу. Антология может привлечь внимание тех, кого интересуют экстрасенсорные (телепатические) аспекты любви, как в искусстве, так и в жизни. В текст книги включена статья С. С. Ступина, дополняющая авторскую концепцию с позиций аналитики антропологически значимых характеристик художественных языков.

Intended for the general reader, the two-volume monograph Steps, Ladders, Stairs in Art is a visual examination of many manifestations of stairs in fine art and literature from pre-historic times to the present day. Throughout history and across cultures steps, ladders and stairs play a philosophic role in religious tradition and works of art: artists use the image to address questions of the path of life – how to ascend or descend, and where to; what obstacles are encountered on the way; individual flights and falls. The two volumes present Chemiakin’s visual analysis of the subject as well as explanatory texts treating diverse aspects of the research.Mihail Chemiakin, an artist, sculptor and art researcher, has collected over 2000 images on the theme of stairs in art, of which 768 are presented in this book. Steps, Ladder, Stairs in Art, first published in Russian in 2020, is the third in a series of books on themes of Chemiakin’s “Museum of the Imagination” research project.

В книге изложен творческий путь члена Союза художников РК, лауреата Государственной премии Казахской ССР им. Ч. Валиханова, Заслуженного деятеля культуры республики Казахстан, орденоносца «Парасат», а также дипломантки многих отечественных и зарубежных выставок – Батимы Заурбековой. Ею создано более 300 произведений: гобеленов, живописных и графических произведений (портреты, пейзажи, натюрморты, абстрактные композиции), хранящихся в казахстанских, зарубежных музеях и частных коллекциях.

Гобелены Батимы Заурбековой всегда узнаваемы и неповторимы, они наделены тонким артистизмом и одновременно глубиной чувств, философским осмыслением бытия. Образы многих её гобеленов, демонстрирующие высокую степень художественного обобщения, воспринимаются как этнический символ. В целом, для полотен художницы характерны особая мелодия ритма, необыкновенная красочность колорита и богатство ассоциативного мышления, основанных на лирико-поэтическом восприятии мира.

В книгу включены иллюстрации работ Батимы Заурбековой.

Изабель Грав – профессорка теории и истории искусства Высшей школы изобразительного искусства «Штедельшуле» (Франкфурт), кураторка и издательница критического журнала Texte zur Kunst. В своей новой книге, сборнике автофикциональных текстов, Изабель обращается не к внешним сюжетам, а чему-то совсем интимному, пытаясь через письмо преодолеть боль от утраты родителей и тревогу от предчувствия надвигающейся катастрофы. Однако фиксация повседневности и субъективных наблюдений парадоксальным образом возвращают рассказчицу к внешнему, но преображенному личным переживанием «другому миру». В своих мастерски набросанных заметках, вызывающих в памяти мифологии Ролана Барта, Грав запечатлевает радикальные политические, социальные и культурные изменения, произошедшие в период с 2014 по 2017 год, анализируя, как эти макро-сдвиги повлияли на ее собственную жизнь.

В формате a4.pdf сохранен издательский макет.

В своей книге Мария Тарутина показывает, как русско-византийская художественная традиция заново открывалась деятелями искусства 1860–1920 годов, и исследует связь между византийским возрождением и модернистскими экспериментами, которые оказали значительное и продолжительное влияние на авангардные движения двадцатого века.

Энциклопедическое издание, посвященное классическому оперному искусству. Содержит данные о русских и европейских композиторах и либретто 150 классических опер.

Богато иллюстрированное академическое издание, содержащее свыше 400 черно-белых иллюстраций, посвящено творчеству художников-карикатуристов, бичевавших современные им нравы и политические пристрастия своего времени.

Известный искусствовед и критик, профессор, доктор искусствоведения, заслуженный деятель искусств РФ, почетный член Российской академии художеств, руководитель межинститутской группы «Символизм и модерн» Игорь Светлов представляет свои избранные статьи, отражающие его основные интересы. Отечественное искусство XX века, его выдержавшие испытания временем открытия, духовные и поэтические прозрения символизма, самобытность творчества художников стран Восточной Европы – все это самостоятельно и живо анализируется в статьях исследователя.

В формате PDF A4 сохранен издательский макет книги.

«Аркин выступал, наряду с Малевичем, Татлиным, Пуниным в качестве сторонника „левого“ формалистического искусства, боровшегося против реализма, против марксистского учения об идейном содержании как основе искусства», – заявлял один из выступавших на Суде чести над героем этой книги в 1947 году. Давид Ефимович Аркин (1899–1957), историк архитектуры и критик, был одной из ключевых фигур в наиболее драматичных эпизодах истории советской архитектуры – кампаниях по борьбе с формализмом в 1930‐е годы и космополитизмом в 1940-е. Если на первой он выступил в качестве обвинителя, то во второй уже стал главным обвиняемым и был назван «идеологом космополитизма» в архитектуре. Книга Николая Молока – это попытка реконструкции творческой биографии Аркина, начиная с его увлечения символизмом и почвенничеством в конце 1910‐х и вплоть до участия в «борьбе с архитектурными излишествами» в середине 1950-х. В Приложениях приводятся некоторые тексты Аркина разных периодов, а также прежде не публиковавшиеся архивные документы, в частности, материалы Суда чести и письма Аркина в адрес архитектурного и партийного руководства. Николай Молок – кандидат искусствоведения, старший научный сотрудник Государственного института искусствознания.

Есть ли смысл в понятии «современное искусство Петербурга»? Ведь и само современное искусство с каждым десятилетием сдается в музей, и место его действия не бывает неизменным. Между тем петербургский текст растет не одно столетие, а следовательно, город является месторождением мысли в событиях искусства. Ось книги Екатерины Андреевой прочерчена через те события искусства, которые взаимосвязаны задачей разведки и транспортировки в будущее образов, страхующих жизнь от энтропии. Она проходит через пласты авангарда 1910‐х, нонконформизма 1940–1980‐х, искусства новой реальности 1990–2010‐х, пересекая личные истории Михаила Матюшина, Александра Арефьева, Евгения Михнова, Константина Симуна, Тимура Новикова, других художников-мыслителей, которые преображают жизнь в непрестанном «оформлении себя», в пересоздании космоса. Сюжет этой книги, составленной из статей 1990–2010‐х годов, – это взаимодействие петербургских топоса и логоса в турбулентной истории Новейшего времени. Екатерина Андреева – кандидат искусствоведения, доктор философских наук, историк искусства и куратор, ведущий научный сотрудник Отдела новейших течений Государственного Русского музея.

Книга «Современное искусство как образ жизни» написана для тех, кто возьмет на себя смелось рискнуть, шагнув в мир Contemporary Art. Если у вас есть талант, то, пользуясь информацией, которой спешит поделиться автор книги Владимир Вопилин, вы быстрее пробьете себе дорогу и сможете продемонстрировать свои возможности в изобразительном творчестве. Это издание – проводник в мир искусства, многообразный и великолепный, искушенный и многообещающий. Всё, что нашло своё отражение на страницах предлагаемого читателям издания, может пригодиться в самом прямом, практическом смысле.

В формате PDF A4 сохранен издательский макет книги.